ADOLFINA DE STEFANI

“OH PUN LEGS, ALICE!” For a geography of everyone’s life

2011-11-16T09:33:00.000-08:00

Adolfina De Stefani : “OH PUN LEGS, ALICE!” For a geography of everyone’s life

Galleria Valmarana – PALAZZO VALMARANA BRAGA – Corso Fogazzaro 16 – 36100 VICENZA

12– 28 novembre 2011

inaugurazione sabato 12 novembre 2011, ore 18.00

ore 19.00 performance: “Attraverso lo specchio e quell che ALICE vi trovò”/ “Through the lookin-glass, and what ALICE found there” con la partecipazione di Camilla Vittoria Civardi e Chiara Beatrice Toniato

Presenta il critico: Michele Govoni

catalogo in galleria

ingresso libero

Sabato 12 novembre 2011 alle ore 18 .00 inaugura alla Galleria Valmarana, PALAZZO VALMARANA BRAGA di VICENZA la personale di Adolfina De Stefani dal titolo “OH PUN LEGS, ALICE!” For a geography of everyone’s life, un percorso/racconto dove le opere dialogano con gli spettatori come se, questi ultimi fossero invitati a leggere la mente che custodisce I ricordi.

Se è vero che "geografia" ha assunto più volte connotati differenti rispetto a quelli per i quali il termine era stato coniato, allora qui tutto comincia con una geografia: già perché, per quanto piccolo e racchiuso, lo spazio di una galleria d'arte in cui vi sia realizzato un percorso espositivo, definisce o, meglio, connota uno spazio geografico. Anche la fiaba, a modo suo, dà vita e ragion d'essere ad una geografia; la quale è, senza dubbio alcuno, polisemicamente legata ad una individuazione dello spazio del racconto e, al tempo stesso, ad una definizione di spazi e tempi particolari. Allo stesso modo un contesto performativo individua, percorre, identifica e spesso stravolge una geografia.

Dall'incontro tra queste geografie nasce "Oh pun legs, Alice!"; da queste e da quelle che scaturiscono come spazi della mente dalla creazione artistica.

Si dice che, in arte, l’allestimento sia parte integrante della mostra. In esso, infatti, coesistono I significati intrinseci del percorso proposto e l’aspetto più prettamente estetico delle opere esposte.

Aspetto, quest’ultimo, che, è bene precisarlo, non va sempre di pari passo con un concetto assoluto di estetica, ma si accompagna alla personale dimensione estetizzante dell’artista.

In Adolfina De Stefani questo concetto allestitivo, che si trova espresso a livello base, assume un ulteriore ed interessante sviluppo.

Esso, infatti, diviene elemento costitutivo dell’esposizione, ponendosi come ponte di collegamento tra il “fare” dell’artista ed il “percepire” del pubblico e portando con sé, in modo del tutto chiaro, uno o più messaggi. Questo ruolo di “portatore di messaggi” è insito nell’allestimento tanto quanto l’idea progettuale della mostra o della performance contiene in sé il complesso di quel messaggio stesso.

Ecco, quindi, come da un legame tra “ruoli” differenziati, nasce uno sviluppo condiviso di pensiero, espressione, messaggio e percorso.

Proprio nell’idea del “percorso” sembra trovare terreno fertile la ricerca di Adolfina. Aiutandoci con un buon dizionario, se andiamo esplorando il termine “percorso” individuiamo che esso racchiude uno spazio, un itinerario ben precisato, una sorta di demarcazione di tappe attraverso cui esporre, dimostrare, arrivare "al dunque" su qualche cosa.

Se, quindi, il termine percorso sta ad indicare un cammino, la mostra di Adolfina De Stefani individua una sorta di geografia ambivalente: da un lato, infatti, essa individua lo spazio reale entro il quale lo spettatore si muove ed interagisce con le opere o con l'azione; dall’altro, essa sottolinea una descrizione tematica che si raffronta con il pensiero nella sua accezione più filosoficamente legata all’esistenza.

Ecco, allora, che è la vita ad entrare in questo percorso di ricerca, richiamando in gioco le opere. Il tema favolistico di Alice, evocato dal titolo della mostra, svolge un doppio ruolo: da un lato richiamare lo stile Carrolliano condito di giochi di parole (Pun in inglese indica proprio il gioco di parole) e, dall’altro, ragionare su Alice come tema universale di bellezza scevra di ogni malizia.

Alice, quindi, diviene elemento di partenza, base su cui innestare un gioco di rimandi che, attraverso la pittura, la scultura e l'azione scenica della performance giunge ad offrire significati che vanno ben al di là dell'immediatezza percettiva.

La bellezza, sinonimo di purezza estetica, richiama, così, il tema del cammino; si cammina, infatti, alla ricerca di una bellezza intrinsecamente pura, arricchente nei suoi più insondabili misteri. Le scarpe sono simbolo di questo cammino; sono scarpe usate, delicate e aggressivamente pure, ma al tempo stesso sono il mezzo di trasporto, il liquido di contrasto attraverso cui “tastare” il polso delle proprie emozioni, il capo di abbigliamento che mette in relazione il nostro corpo con il mondo che vive lì ad un passo da noi.

Il medesimo mondo che, spesso, è specchio dei comportamenti umani; il medesimo specchio attraverso cui Alice, nella favola di Lewis Carroll, viene introdotta nel mondo meraviglioso ed incantato della sua immaginazione.

Se le scarpe sono il mezzo di introduzione nel cammino attraverso questo mondo nuovo, il cappello è l’accessorio che ci permette di apparire diversi in questo mondo. E‘ però un cappello irto di spilli, gli stessi che si conficcano nella “mezza coppia di pane ferrarese” che, trasfigurata nell’immagine di due gambe aperte fa aprire gli occhi inorridendo al pensiero della violenza che il mondo ci propone quotidianamente.

Se il cammino è un duro percorso irto di insidie e di pensieri, la “stanza bianca” si pone come obiettivo da raggiungere, elemento innaturale che, però, richiama il simbolo naturale per antonomasia: l’albero.

Pur nel suo essere svuotato dei suoi normali contesti cromatici, l’albero, sia esso solo rappresentato su di una lastra di plexiglass trasparente o sia, invece, realizzato in scultura, diviene elemento di congiunzione con la bellezza dell’inizio. Entrambe, infatti, sono bellezze naturali, intatte, prive di qualsiasi maliziosa bruttura.

“Oh Pun Legs, Alice!” contiene in sé tutti questi elementi, perché come simbolo, riassume la complessità dell’esistenza in alcune delle sue accezioni.

Spuntano così vestito e travestimento, spazio e geografia dell’anima, fantasia e realtà, raccolti tra il bianco e nero di una scacchiera che altri non rappresenta se non una società fatta e costruita di ruoli predefiniti. A chi tocca, se non all'individuo, la rottura delle regole del gioco? Il guardarsi allo specchio per calibrare le proprie capacità sulle richieste d'aiuto degli altri?

La risposta ce la offre lo speculum che Adolfina De Stefani ci mette a disposizione e che rimanda immagini di un mondo distorto, che ci accompagna, ci strattona, ci priva della cecità estetica e morale di cui, spesso e volentieri, la società di oggi è irreparabilmente affetta.

Ferrara, settembre 2011

Michele Govoni

"performanceday" FESTIVAL DELLE NAZIONI CITTA' di CASTELLO 28 agosto 2011

2011-08-30T12:16:00.000-07:00

MERIDIANO ACQUA - VENEZIA - Magazzini del sale "GARDINI"

2011-06-10T09:50:00.000-07:00

performance di Adolfina De Stefani e Antonello Mantovani con la collaborazione di Ingrid Zorin, Alice Brunello, Marianna Stefani. Venezia Magazzini del Sale "GARDINI" DORSODURO 263

domenica 5 giugno 2011

meridiano fuoco

2011-06-10T09:35:00.000-07:00

performance di Adolfina De Stefani e Antonello Mantovani con la collaborazione di Donato Ceron . VENEZIA 5 giugno 2011 Ca' Zanardi Cannaregio 4132

performance contaminazione 6 agosto 2010 Villa Pisani di Strà VENEZIA

2010-08-11T08:30:00.000-07:00

(in)Càvo collettiva

2010-08-11T07:44:00.000-07:00

(in)Càvo tributo a Jorge Oteiza

Villa Pisani (Stra) VENEZIA 6-22 agosto 2010

Chiesa Storica del Torresino (Cittadella) PADOVA 3 - 21 settembre 2010

a cura di Gaetano Salerno

2010-02-10T07:47:00.000-08:00

CONTAMINAZIONE

2010-02-10T06:30:00.000-08:00

Mostra personale di: Adolfina De Stefani

“CONTAMINAZIONE”

a cura di Maffei Arte Contemporanea

via del Signore 3 Viareggio (LUCCA)

Domenica 28 febbraio alle ore 17.00 si inaugura la mostra personale “CONTAMINAZIONE” dell’artista Adolfina De Stefani alla Galleria Maffei Arte Contemporanea via del Signore 3 Viareggio (LUCCA)

La mostra è visitabile dal 28 febbraio al 14 marzo 2010 con il seguente orario: dal martedì alla domenica 17.30 – 19.30.

La mostra con testo critico di Laura Mare è allestita nei locali della Galleria Maffei Arte Contemporanea dove l’artista espone una serie di opere su plexiglas di grandi dimensioni.

Le opere si animano come forme ibride e percorrono gli spazi contaminandoli come bianche presenze. Il rapporto è metaforico, il bianco come colore cangiante è presente in un percorso sensoriale, permette di trasformarsi, di assorbire i colori.

L’ artista si fa tramite di un percorso. Ingloba dentro di sé, attraverso il proprio sentire la memoria dell’oggi, con le sue differenze. Diventa strumento, la memoria del sentire passa attraverso le sensazioni, passa attraverso le mani, attraverso il corpo e la mente e lo trasforma. Deborda nelle sue opere in nuove forme riconoscibile ma trasformate.

Durante l’inaugurazione l’artista stessa con la collaborazione di Antonello Mantovani,darà vita ad una particolare performance dove nel processo creativo mette in gioco tutta se stessa, il proprio corpo e la propria personalità. Seguirà la performance “URSONATE di Kurt Schwitters” del gruppo DadaEnsamble (Martin e Vera Bauer, Jens Buhmann, Anne Flore), un’affascinante, creativa, e ironica provocazione della cultura contemporanea.

LA GIUSTIZIA

2010-02-04T09:21:00.000-08:00

MOSTRA XX.9.12 ARCHIVIO VINILE a cura di Maria ANgela BRION Adolfina De Stefani Donatella Meropiali

2010-01-21T05:37:00.000-08:00

Corpi Anticorpi

2009-11-24T07:13:00.000-08:00

Performance e installazioni di artisti internazionali a cura di Adolfina De Stefani
Comune di Abano Terme – Museo D’Autunno 2009 – Museo Civico Villa Comunale Roberto Bassi Ratgheb via Appia Monterosso,56

L’arte del corpo

Quando il corpo dell’artista diviene opera d’arte e il suo gesto cifra stilistica fondamentale dell’opera stessa, l’immediata e quasi inevitabile conseguenza di ciò sembra non possa che essere la cancellazione di ogni confine fra arte e realtà, con il risultato di far apparire impossibile la creazione estetica come attività caratterizzata da particolarissima specificità costruttiva e da autonomia nel proprio operare, sorta di “zona franca” fra tutte le intraprese dell’uomo. Ciò, tuttavia, potrebbe essere vero semmai soltanto in parte e cioè in quanto occasione per spazzar via quanto già era morto, vuoto, ripetitivo e per infondere nuova linfa vitale nell’albero sempre incoercibilmente rigoglioso dell’arte.
Ma se va da sé che tale considerazione può, in effetti, venire formulata a proposito di qualsiasi congiuntura storica di rinnovamento e se in misura del tutto originalissima vale per le arti del secolo appena trascorso, segnato dalla presenza di quel fenomeno tutto novecentesco che furono le “avanguardie storiche”, lo si deve sicuramente affermare con forza ancora maggiore se ci riferiamo a quella che possiamo indicare come “arte del corpo”, una poetica che tanta parte ha avuto e continua ad avere nei territori delle arti contemporanee.
La vitalità delle quali si misura oltretutto nella capacità di sintonizzare con lo “spirito del tempo” senza venirne condizionata, positivamente e fruttuosamente contaminata nella misura utile ai suoi scopi – una vitalità che risulta ancora più rimarchevole considerando il fenomeno di cui ci occupiamo nel breve spazio consentito da questa nota.
Il corto circuito che scocca tra opera e artista, quando questa elegge i territori definito come “arte del corpo” quale ambito della sua ricerca e del suo lavoro, questo corto circuito è il simbolo più icastico della natura profonda dell’arte contemporanea, tanto se vogliamo considerarla in riferimento alla sua più intima essenza, quanto se riteniamo di relazionarla alle culture, alle società, alle temperie del periodo storico che viviamo.
Oltre a ciò e però anche fondamentale riflettere sul materializzarsi di qualcosa che comunque avviene, di un’opera d’arte, anche quando ci riferiamo ad una attività creativa riconducibile ad “arte del corpo”. Un materializzarsi beninteso del tutto singolare, spesso tradotto nel contrario di se stesso, quello “smaterializzarsi” che constatiamo imbattendoci in un’opera fatta di tracce video e video-foniche, di lacerti fotografici o di graffiti, di elementi multimediali localizzati o affidati all’universo del web.
Accanto a questi elementi – che in fondo possono ancora ricordare il dipinto o la scultura o il disegno della tradizione artistica occidentale piuttosto che, ad esempio, le mirabili stampe dell’arte giapponese o le raffinate miniature persiane – resta però vivissima un’altra “materialità” che, per quanto labile ed effimera, esiste e che è la “materialità” dell’azione” inscenata dell’evento performativo di “arte del corpo”. Per la durata della performance la concretezza dei corpi degli astanti, la cui presenza è determinante e assolutamente indispensabile per la stessa possibilità di esistenza dell’”opera”.
C’è inoltre un ulteriore aspetto di questa “arte del corpo” che la rende strutturalmente interconnessa al nostro esistere ed è la relazione dialettica che intercorre fra la fisicità, la materialità del corpo durante l’azione artistica e il suo contrario, un “anti-corpo” virtuale e immaginario dentro una “ civiltà” disumana, tendenzialmente opposta alle ragioni della vita.
La ricomposizione che l’”arte del corpo” attua attraverso l’esibizione performativa è quella dell’unicità del corpo umano (“reale” e “virtuale” insieme), cui è finalmente concesso di ritrovarsi, di ritrovare nell’operazione artistica una sorta di auto- affermazione, di immunizzazione contro i virus distruttivi che vogliono disgregarlo fino a dissolverlo, dopo avere in tal modo suscitato e sviluppato i necessari “anticorpi”.
Tutto dunque torna al suo inizio, in un’incessante circolarità che ci trova protagonisti della nostra stessa vita attraverso le benefiche strade che l’”arte del corpo” ci invita nel corso di essa a percorrerle.

Bruno Francisci

OPEN HOUSE GARDEN

2009-11-06T08:57:00.000-08:00

1, 2, 3 maggio 2009

OPEN HOUSE GARDEN è un progetto di arti visive che si è svolto in un luogo inusuale. Un luogo difficile da etichettare, laboratorio, pensatoio, palcoscenico, una residenza privata “LOVE DIFFERENCE” situata in un’oasi naturalistica sullo sfondo dei colli Euganei. Una residenza che ha aperto le porte di casa, il giardino all’arte visiva, ma in particolare ha coinvolto artisti nel lavoro di “OPEN AIR”.

Un progetto di arte contemporanea ideata con una forza pulsante e viva che oltre a richiamare un pubblico numeroso e importante ha regalato tre giorni di nutrimento non solo di arte ma di amore nei confronti di una natura generosa e profumata come non mai in questi primi giorni di maggio.

Ecco che in questo scenario dove la natura è la vera protagonista “OPEN HOUSE GARDEN”è diventato luogo di immersione,totale, un incontro di dimensioni diverse a contatto con la natura portando ossigeno come fluido rivitalizzante per la qualità della nostra vita ad un numeroso pubblico.

Un evento speciale che ha visto coinvolti moltissimi artisti liberi di esprimere attraverso le arti visive il proprio messaggio.